Nostalgia e tattica.
Per molti autori il genere non rappresenta più una gabbia da cui evadere e nemmeno un meccanismo da smontare per mostrarne il funzionamento. È qualcosa a cui è possibile tornare, non per decostruire o distruggere, ma per usarlo in maniera libera, caricarlo di significati emotivi, perché si riconosce il genere come parte della realtà oppure perché si ha bisogno di strutture solide e condivise per non smettere di raccontare storie.
Il discorso va limitato al fumetto al di fuori delle logiche estetiche e produttive della serialità, quello che ancora oggi può trovarsi determinato nell’ambigua locuzione “d’autore”, quello che negli ultimi due decenni ha scoperto e diffusamente esplorato i territori prima poco frequentati dell’autobiografia, del reportage, dell’inchiesta e della tranche de vie. Mai gli autori di fumetti avevano portato in maniera tanto diretta l’attacco alla realtà, mai avevano avuto tanta libertà nel trasformarla in segni e sequenze. La disintegrazione del mercato – l’evoluzione/involuzione dei generi all’interno della produzione seriale meriterebbe considerazioni differenti – e la raggiunta autocoscienza del medium hanno prodotto un realismo ambiguo e vitale, aperto alla sperimentazione linguistica e disponibile ad attraversare i territori apparentemente più distanti, dall’esperienza onirica all’impegno civile. Dei generi narrativi e delle loro regole sembra non esserci più bisogno, se non per recuperi occasionali in chiave ironico-parodistica e con l’eccezione del noir, mutatosi in una cupa estensione del realismo sociale.
Sembra ora che il panorama stia cambiando, possiamo immaginarne qualcuna delle ragioni. Il racconto autobiografico e la tranche de vie sono diventati generi essi stessi, spesso devitalizzati da manierismi e automatismi; probabilmente è anche la diffusione della comunicazione on-line (dai blog al social networking) che ha mutato le condizioni secondo le quali è possibile e interessante parlare di sé e leggere degli altri. L’evaporazione del racconto in favore della pura suggestione è rimasta vittima dell’illusione di sembrare alla portata di tutti; ma non solo: la fase d’incertezza che stiamo vivendo ha riaperto le porte della Storia e il problema del futuro, è inevitabile che ci sia bisogno di nuovi strumenti per affrontare la realtà di cui si vuole rendere conto. I vecchi generi diventano allora frammento di struttura, impalcatura mobile, puntello per mantenere in piedi le rovine del realismo. Relitto a cui aggrapparsi per ricominciare a nuotare.
Nostalgia – l’altra faccia del progresso – è una parola chiave, ma non credo che l’uso attuale dei generi si possa considerare un semplice ritorno all’ordine, così come è necessario evidenziarne la differenza dalle pratiche postmoderne. Sommariamente: nessuna intenzione decostruzionista fondata sulla sfiducia nella narrazione, semmai il contrario; utilizzo tendenzialmente rispettoso dei codici (senza dimenticare che un genere è un sistema di organismi in continua evoluzione, che le sue regole non sono dogmi, che ogni singola nuova opera ne modifica – impercettibilmente, di solito, ma inesorabilmente – la natura complessiva); un palese investimento emotivo in luogo della distanza ironica e della malinconica superiorità.
Per questo, l’ibridazione dei generi proposta da Jason – che non procede per accumulo, ma per affinità personale – non è un pastiche postmodernista. In modo analogo, citando alcuni autori italiani, il Gatto Mondary del Dr. Pira, iconoclasta e assurdo, procede studiatamente come un fantasy scolastico; Beta di Luca Vanzella e Luca Genovese si posiziona nella tradizione del manga robotico, punteggiato però di cortocircuiti emozionali con la memoria delle generazioni cresciute con quelle storie; per Nicolò Pellizzon, al suo esordio con Lezioni di Anatomia, il soprannaturale è, prima di ogni ulteriore determinazione, una qualità dello sguardo e un modo di percepire la realtà; la fantascienza collide con il quotidiano – e lo “aiuta” – in Alien di Aisha Franz, non troppo diversamente da quanto avveniva in Nessuno mi farà del male di Giacomo Monti.
Ma se alziamo lo sguardo i segni di una nuova sensibilità si moltiplicano: attraversando le alpi, La Grande Odalisque di Ruppert e Mulot con Bastien Vivès o l’approccio di autori come Bruno o Hugues Micol; attraversando la Manica, l’esuberanza estetica della No Brow Press; attraversando l’Atlantico, l’attitudine di autori come Brinkmann, Jesse Moynihan, C.F., Johnny Ryan…
Negli autori nordamericani, l’aspetto ludico cui facevamo cenno per Jason è addirittura esibito. Il divertimento cercato e invocato, nella creazione e nella fruizione, è insieme origine, natura e fine della narrazione di genere. Questo divertimento proviamo a non consideralo come una deviazione escapista, come la fuga nel disimpegno di fronte alle forze soverchianti del reale. Proviamo a pensare al divertimento come diversione, che nel linguaggio militare indica il tentativo di provocare danni al nemico su una linea di difesa che questi ritiene secondaria e tende quindi a lasciare sguarnita. Divertirsi (divertire) per colpire al cuore la realtà, per raggiungere l’obiettivo, per dire quello che non si può dire altrimenti. Kurt Vonnegut, per capirci, è divertente, no?
